Es Devlin imagine des mondes qui n’existent pas

Es Devlin est un créateur britannique de souvenirs et de psychologies, d’idées et de rêves. Elle a créé des environnements pour des opéras, des œuvres de danse et des pièces de théâtre (sa conception scénique pour « La trilogie Lehman » a remporté le Tony) ; conçu des tournées de concerts pour Beyoncé, U2, Kanye West, Adele et Miley Cyrus ; travaillé à la cérémonie d’ouverture des Jeux Olympiques de Rio de Janeiro et à la cérémonie de clôture des Jeux Olympiques de Londres ; imaginé des défilés de mode pour Louis Vuitton ; et a inventé d’immenses installations, centrées sur les espèces et les langues menacées.

Son travail interdisciplinaire défie les catégories, tout comme sa nouvelle monographie, « An Atlas of Es Devlin » (Thames & Hudson) — une œuvre d’art immersive et superbement réalisée en elle-même, contenant des photographies, des textes, des dépliants, des extraits et des superpositions translucides. et des pages découpées qui reflètent la complexité et l’étendue de l’imagination des processus de Devlin, du concept à l’itération finale.

Une exposition du même nom, basée sur «An Atlas», s’ouvre samedi au Cooper Hewitt, Smithsonian Design Museum, la première grande exposition personnelle de Devlin aux États-Unis. “À bien des égards, il s’agit d’une manifestation tridimensionnelle du livre”, a déclaré Devlin lors d’une récente interview chez elle dans le sud de Londres, où une longue table de réfectoire devant des baies vitrées était remplie de livres sur le climat. changement, économie et art.

“Il n’y a aucune présomption que vous sachiez ce qu’est mon travail”, a déclaré Devlin, 52 ans, décrivant l’exposition, qui débutera dans une réplique de son atelier avant qu’un mur ne s’ouvre pour révéler une série d’ouvertures, inscrites avec les noms de chacun. avec qui elle a travaillé.

Devlin a « réinventé la roue dans tous les domaines auxquels elle a participé, qu’il s’agisse du théâtre, de la poésie, de la sculpture, du climat ou de l’installation », a déclaré l’historienne de l’art Katy Hessel. Elle a ajouté : « Je la définirais comme une visionnaire. »

Hans Ulrich Obrist, directeur artistique des Serpentine Galleries à Londres, a déclaré que le don de Devlin n’est pas seulement de réunir « tant de talents différents, du design, de l’architecture, de l’écriture, du dessin, mais qu’elle a créé une forme d’art de collaboration. Elle crée un espace commun pour les rituels du théâtre, des concerts pop ou de l’art.

Pendant plusieurs heures et un curry de légumes, Devlin a sélectionné ses œuvres préférées dans le livre et l’exposition, parlant avec une verve caractéristique de son passé, de ses partenariats et de ses passions. “Pour moi”, a-t-elle déclaré, “il n’y a pas de hiérarchie entre la valeur de l’opéra Carmen et celle de Beyoncé.” Voici des extraits édités de la conversation.

Cette séquence montre six dessins d’une figure féminine avec une boîte ou un cube, réalisés quand j’avais 18 ans, en 1989. Je venais de commencer un diplôme de littérature anglaise à l’Université de Bristol, et j’aurais lu « Beowulf » et vivre dans la bibliothèque.

J’étais très attiré par les figures de style qui évoquent une matière instable et impossible, où la matière et le langage ne peuvent pas s’entendre. Tous les grands poètes vivent ici. Au fur et à mesure que je lisais et écrivais, j’ai eu de plus en plus envie de dessiner. J’ai résisté à l’idée d’aller à l’école d’art parce que les gens qui y allaient savaient ce qu’ils voulaient dire, et moi non. Je voulais apprendre.

Dans ces dessins, une personne est contrainte dans une boîte trop petite, ou est statique dans la boîte, ou la manipule. La personne s’y accroche comme à un iceberg, s’en sert comme d’un poste de guet ou d’une aire de jeux. Bien entendu, la boîte se traduit par l’espace théâtral. J’ai réalisé plusieurs œuvres, comme « Don Giovanni » ou « La trilogie Lehman », en utilisant une boîte comme structure de design. Ces croquis sont une carte ou un atlas de tout ce que j’ai réalisé depuis.

2. Une carte manuelle

L’année dernière, Hans Ulrich Obrist, qui a été pour moi un véritable mentor, m’a appelé pour me demander de concevoir une affiche pour un projet à la Serpentine intitulé « Back to Earth ». Le lendemain.

À l’époque, je travaillais sur un projet intitulé « Come Home Again », pour lequel j’avais dessiné 243 espèces non humaines en voie de disparition vivant à Londres. J’ai été inspiré par la militante écologiste Joanna Macy et d’autres écrivains qui parlent de la continuité de la biosphère et de soi. En d’autres termes, si vous considériez les autres espèces et le reste du monde comme une continuation de vous-même, vous ne leur feriez aucun mal.

Je dessinais des insectes, des poissons, des plantes, des mammifères, parfois 18 heures par jour, et dans un état d’esprit un peu hallucinatoire. Lorsque Hans Ulrich m’a appelé, j’ai simplement posé ma main sur du papier, j’ai dessiné autour, j’ai pris des photos de certains dessins et je les ai placés autour du contour. En faisant cela, j’ai ressenti cette continuité entre moi et l’espèce que je dessinais – entre ma jointure et le bord de l’aile d’un oiseau, les veines de ma main et d’une feuille. Les espèces sont une sorte de composition de tatouage sur la main. Ce dessin, qui est un pop-up DIY, est placé à l’intérieur du livre, en guise de cadeau.

3. Une ligne de lumière

Il s’agit d’une photographie que j’ai prise, vers 2016, d’une ligne de lumière solaire entrant à travers des rideaux ou des stores. Maintenant, chaque jour, quand je me réveille, je photographie la ligne de lumière et je passe environ 20 minutes tranquilles à méditer là-dessus. Dans l’exposition, il y a une voix off à ce sujet, avec l’image.

Lucio Fontana, dont j’ai vu le travail à la Tate quand j’étais adolescent, a évidemment ici une énorme influence. Le premier film sur lequel j’ai travaillé, en 2008, avec le compositeur Nitin Sawhney et le chorégraphe Dam Van Huynh, était l’histoire d’une personne entrant dans une ligne de lumière ; en art, c’est possible ! Je l’ai utilisé dans de nombreuses autres pièces – « Connectome » d’Alastair Marriott au Royal Ballet, « Le Songe d’une nuit d’été », « Howie the Rookie » – et je sais que je continuerai à le faire.

4. « Boîte à miracles »

En 2016, Hans Ulrich Obrist m’a invité à donner une conférence à la Serpentine. Je me considérais comme un scénographe, donc j’étais ravi d’être accueilli dans le monde (de l’art), qui peut franchement être assez exclusif. J’ai parlé des mécanismes de suspension de l’incrédulité, et pendant que je parlais, j’ai construit une boîte sur scène – le tout très basique, du Velcro et du ruban adhésif. Mais quand j’ai fini de la construire, les lumières se sont éteintes, la musique s’est allumée et la boîte a tourné, couverte de projections de mes mains essayant de diverses manières – en découpant de l’argile, du papier et du carton miroir – d’accéder à une lumière qui semblait être au niveau du mur. cœur du cube rotatif.

J’en ai fait une version dans de nombreux modes différents. Pour la tournée Formation 2016 de Beyoncé, j’ai réfléchi à la façon dont la forme d’art du concert pop est une tentative d’atteindre l’intimité que la télévision, et maintenant les films, donnent aux gens, mais à l’échelle d’une arène sportive et de gladiateur. Lorsque j’ai parlé pour la première fois à Beyoncé, elle avait écrit un poème qui contenait le vers « un courant électrique bourdonne à travers moi ». Je pense que ce qu’elle exprimait dans le poème, c’était le sentiment qu’elle était le médium de ses chansons.

Lorsque je survolais pour la rencontrer, j’ai fait quelques croquis dans l’avion. Je n’avais pas encore entendu l’album « Lemonade », mais je savais qu’il parlait d’une relation et d’une crise. Je voulais montrer quelque chose entre l’icône de l’affiche et la créature « nue et fourchue » (du roi Lear), une petite figure, constamment en mouvement, agrandie dans le cube en rotation.

5. « Carmen » : la suspension de l’incrédulité

Des mains suspendues entre mer et ciel, la magie, l’illusion, la suspension de l’incrédulité. C’est l’une de mes choses préférées, la toile de fond de l’opéra « Carmen », en 2017 à Bregenz, en Autriche. C’est un lieu extraordinaire pour un festival d’opéra. Après la Seconde Guerre mondiale, Maria Wanda Milliore, une jeune scénographe, propose des représentations sur une barge sur le lac car la salle de concert a été bombardée. Mon dessin était le premier réalisé par une femme à cet endroit depuis 1946.

Je regardais des combats de taureaux, je voulais un gros taureau, mais le réalisateur, Kasper Holten, a dit non. Nous sommes donc revenus au texte et avons regardé la scène où Carmen lance les cartes en l’air. Alors que j’imitais cette action, Kasper a dit : « C’est ça !

C’est vraiment difficile de faire travailler une barge dans un lac, de donner l’impression que les cartes flottent. L’une des raisons pour lesquelles l’ensemble est si beau est qu’il n’y a pas de haut-parleurs visibles. Ici, des morceaux entiers de mains sont constitués de gaze et sont remplis de haut-parleurs, tout comme les cartes. Le tout est un gros appareil émetteur de son de 25 mètres de haut.

6. « Vos voix »

Pendant la pandémie, alors que tant d’œuvres culturelles étaient éteintes, j’ai reçu une invitation à réaliser une pièce de la maison de Champagne Moët & Chandon. Si ce type de projet n’est pas abordé de manière honnête, il peut se transformer en publicité.

Je voulais collaborer avec l’Endangered Language Alliance, que Brian Eno m’avait présenté. L’anthropologue Wade Davis a déclaré : « Chaque langue est une forêt ancienne de l’esprit » : Lorsque nous perdons une langue, nous perdons une bibliothèque de références culturelles, historiques et biologiques.

J’ai pensé que l’installation devrait avoir lieu au Lincoln Center, car New York est la ville qui abrite le plus de langues – 637 au dernier décompte. J’ai utilisé une boussole comme base pour concevoir une sculpture cinétique éclairée sur la place, cartographiant les langues à travers la ville, puis étirant les 637 lignes à travers l’arc pour les relier les unes aux autres. On pouvait se tenir à l’intérieur de l’objet et c’était comme être à l’intérieur d’un instrument de musique. En même temps, vous entendiez tout autour de vous des enregistrements de langues en voie de disparition, prononçant le texte d’EM Forster « Only connect » et d’autres poèmes. Il y avait des chœurs du Bronx, un chœur ukrainien et russe, des chœurs japonais et africains. C’était une version profondément condensée d’être à New York.

7. L’iris

Cette figure revient beaucoup dans mon travail et constitue la pièce d’ouverture de l’exposition. Il est basé sur une série de huit ouvertures circulaires découpées en couches au début du livre. Dans l’exposition, la salle est remplie d’une réplique de ces pages percées de trous au centre, construites à la hauteur de la pièce. Le visiteur les parcourt et fait partie de la structure.

Dans un cercle autour de chaque trou se trouvent les noms de toutes les personnes avec qui j’ai travaillé ; c’est un atlas de la participation. Toute collaboration consiste à voir à travers le prisme du designer, du compositeur, du chorégraphe, du dramaturge, du metteur en scène. Ce que j’aime bien, c’est que la forme de l’iris n’est pas stable ; il y a beaucoup de courants qui s’affrontent et se maintiennent de manière centrifuge. Il s’agit d’essayer de développer un muscle lui permettant de voir à travers le prisme des autres.